Defining studio pottery

DEFINING URBAN POTTERY

Open bowl by Norman YapWhen Lucie Rie arrived in London in 1938, she was already an accomplished and award winning potter of international acclaim and a fierce supporter of modernist and minimalist design.  Once settled, she soon started making her distinctive and fine pieces which were bowls, bottles and a few vase forms all of which were deceptively simple to look at, embellished with glazes that were intriguing in their metallic nature and occasionally bubbled textures.  She rapidly acquired a following of loyal fans and collectors which ultimately included the Sainsburys, the Attenboroughs and of course, museums and galleries around the world.

What Lucie Rie also started, other than the excitement of her forms, was a break away school of pottery that did not have a name initially but is now sometimes known as studio pottery. To understand this school, it is perhaps easier to look at the dominant school of pottery at the time which was based in traditional, functional ware that focused on established forms, the production of large numbers or sets of tableware, the use of a relatively fixed set of glazing techniques and recipes that were handed down through generations and often the use of local clay and outdoor firings in wood kilns and then to understand that studio pottery is the reverse of these values.  While they do not intend at all to ridicule or criticise these traditional approaches, studio potters do seek to develop their work along a different set of aesthetic principles.

Studio pottery is now characterised by the production of forms which, in the words of Emmanuel Cooper, are domestic pieces which belong in the living room rather than in the kitchen.  These forms are produced in limited quantities and rely on unusual glazes and production techniques which may either be innovative or be a revival of earlier of practices which have died out or have been considered outmoded.  Urban pottery is urban pottery, pieces conceived, designed and produced by an individual for display and possibly for use.  Unique and striking by design, urban pottery is something for Britain to be proud of, thanks to Lucie Rie and her ceramic legacy.

As studio pottery has matured and developed over the years, it has also defined itself slightly more clearly into the following characteristics .  Firstly studio pieces are not produced in large numbers; even tableware is produced to be one-off and not for mass production.  Studio ware may be functional or decorative but it is usually striking in appearance and unique in form, marking it apart from mass produced ware.  To arrive at this result, studio ware is usually produced by hand building or throwing although slip cast studio ware can be thrilling and equally unique.

Studio pottery is a generic term for collectable pieces while urban pottery is perhaps more defined by its geographical roots of where the pieces are made.  London is therefore a good place to look for excellent British studio pieces, either from the makers themselves or from the galleries and agents that represent the very best of our talent.  The art and craft shows in London provide a focused look at the work of many makers from all over Britain, capturing the variety, skill and beauty of their work.

Emmanuel Cooper put it best when he said that studio pottery did belong in the home but perhaps more in the living room than the kitchen.

I have a personal favourite, the late, great Colin Pearson who made works of fluidity and beauty that I have found spellbinding from the first time I saw images of his.  The opportunity came some years ago to make a (cheeky) bid for some pieces and to my surprise and delight, they were accepted.  These are part of his signature “winged” forms, beautifully thrown and joined to form a composite work.  The piece in pale celadon green won a prize at a Biennale in the 1970s and was a rare venture into porcelain. The other is a rich and textured black-stained stoneware.

DÉFINITION DE LA POTERIE URBAINE

Lorsque Lucie Rie est arrivée à Londres en 1938, elle était déjà une potière accomplie et primée, de renommée internationale, et une fervente partisane du design moderniste et minimaliste.  Une fois installée, elle a rapidement commencé à fabriquer ses pièces distinctives et raffinées, à savoir des bols, des bouteilles et quelques formes de vases, tous d’une simplicité trompeuse, agrémentés de glaçures intrigantes par leur nature métallique et leurs textures parfois bouillonnantes.  Elle a rapidement acquis un public de fans et de collectionneurs fidèles, parmi lesquels les Sainsburys, les Attenboroughs et, bien sûr, les musées et les galeries du monde entier.

Outre l’enthousiasme suscité par ses formes, Lucie Rie a également lancé une école de poterie indépendante qui n’avait pas de nom à l’origine, mais que l’on appelle parfois aujourd’hui la poterie de studio. Pour comprendre cette école, il est peut-être plus facile d’examiner l’école dominante de la poterie de l’époque, qui était basée sur des articles traditionnels et fonctionnels axés sur des formes établies, la production de grandes quantités ou de séries de vaisselle, l’utilisation d’un ensemble relativement fixe de techniques d’émaillage et de recettes transmises de génération en génération, et souvent l’utilisation d’argile locale et de cuissons en plein air dans des fours à bois, puis de comprendre que la poterie de studio est l’inverse de ces valeurs.  Bien qu’ils n’aient pas du tout l’intention de ridiculiser ou de critiquer ces approches traditionnelles, les potiers de studio cherchent à développer leur travail selon un ensemble différent de principes esthétiques.

La poterie d’atelier se caractérise désormais par la production de formes qui, selon les termes d’Emmanuel Cooper, sont des pièces domestiques qui ont leur place dans le salon plutôt que dans la cuisine.  Ces formes sont produites en quantités limitées et s’appuient sur des glaçures et des techniques de production inhabituelles qui peuvent être soit innovantes, soit un renouveau de pratiques antérieures qui se sont éteintes ou ont été considérées comme dépassées.  La poterie urbaine est une poterie urbaine, des pièces conçues, dessinées et produites par un individu pour être exposées et éventuellement utilisées.  Unique et frappante par sa conception, la poterie urbaine est une chose dont la Grande-Bretagne peut être fière, grâce à Lucie Rie et à son héritage céramique.

Au fur et à mesure que la poterie d’atelier a mûri et s’est développée au fil des ans, elle s’est également définie un peu plus clairement selon les caractéristiques suivantes.  Tout d’abord, les pièces d’atelier ne sont pas produites en grand nombre ; même la vaisselle est produite pour être unique et non pour une production de masse.  La vaisselle d’atelier peut être fonctionnelle ou décorative, mais elle est généralement frappante dans son apparence et unique dans sa forme, ce qui la distingue de la vaisselle produite en série.  Pour parvenir à ce résultat, la poterie d’atelier est généralement fabriquée à la main ou jetée, bien que la poterie d’atelier coulée en barbotine puisse être passionnante et tout aussi unique.

La poterie de studio est un terme générique pour les pièces de collection, tandis que la poterie urbaine est peut-être plus définie par ses racines géographiques, à savoir l’endroit où les pièces sont fabriquées.  Londres est donc un bon endroit pour rechercher d’excellentes pièces de studio britanniques, soit auprès des fabricants eux-mêmes, soit auprès des galeries et des agents qui représentent le meilleur de notre talent.  Les expositions d’art et d’artisanat de Londres permettent de jeter un regard ciblé sur le travail de nombreux artisans de toute la Grande-Bretagne, et de saisir la variété, le savoir-faire et la beauté de leur travail.

C’est Emmanuel Cooper qui l’a le mieux exprimé lorsqu’il a dit que la poterie d’atelier avait sa place dans les foyers, mais peut-être plus dans le salon que dans la cuisine.

J’ai un favori personnel, Colin Pearson, qui réalisait des œuvres d’une fluidité et d’une beauté que j’ai trouvées envoûtantes dès la première fois que j’ai vu ses images.  Il y a quelques années, j’ai eu l’occasion de faire une offre (effrontée) pour quelques pièces et, à ma grande surprise et à mon grand plaisir, elle a été acceptée.  Elles font partie de ses formes “ailées” caractéristiques, magnifiquement tournées et jointes pour former une œuvre composite.  La pièce en vert céladon pâle a remporté un prix lors d’une Biennale dans les années 1970 et constituait une rare aventure dans la porcelaine. L’autre est un grès taché de noir, riche et texturé.